La calligraphie japonaise et Sumi-e sont des techniques de peinture qui sont pratiquées dans certains pays asiatiques, et notamment le Japon. Elles ont un lien très important avec la philosophie bouddhiste zen. La peinture a ainsi beaucoup de points en commun avec l'art de la calligraphie, aussi bien par les outils utilisés que par la philosophie qu'ils incarnent.
Sumi-e, la peinture japonaise à l'encre
Sumi en japonais signifie encre et e signifie peinture. Les deux mots décrivent ensemble une forme d'art qui est apparue il y a des siècles, probablement en Chine, et qui a trouvé son chemin vers le Japon pendant la période Kamakura (1192 - 1333).
La peinture et l'écriture au Japon utilisent les mêmes matériaux : pinceau et encre sur papier. L'importance est mise sur la beauté de chaque coup de pinceau.
Les Chinois parlent d'écrire une peinture ou de peindre un poème.
Une peinture est jugée sur trois éléments : les traits de calligraphie, les mots de la poésie (souvent avec des doubles significations et des jeux de mots subtils) et la capacité des traits de peinture à capturer l'esprit de la nature plutôt qu'une ressemblance photographique.
Les artistes du Japon ont appris des Chinois et ont ensuite développé leurs propres versions de la peinture au pinceau.
Le Sumi-e exige de l'artiste qu'il maîtrise trois techniques de base :
- la possibilité de charger le pinceau avec trois nuances d'encre et de peindre ainsi une ligne de trois tons simultanés ;
- une connaissance des trois façons fondamentales de tenir le le pinceau ;
- l'utilisation correcte du bras pour atteindre la liberté de mouvement.
De plus, le sumi-e n'utilise pas d'arrière-plan au sens occidental du terme. L'artiste doit donc avoir une bonne compréhension de l'importance de l'espace blanc.
Les 4 trésors du calligraphe et du peintre
Les outils essentiels sont appelés les Quatre Trésors. Il s'agit du bâton d'encre, de la pierre à encre, du pinceau et du papier.
L'encre japonaise, semblable à l'encre de Chine, a été inventée il y a plus de 2000 ans lorsque la suie de carbone a été recueillie à l'intérieur des fours où les plats en porcelaine étaient cuits. La suie a été mélangée avec de la colle, pressée dans un bâton solide et séchée. Le bâton a été frotté dans l'eau sur une pierre avec une zone creuse sculptée.
Cette encre est permanente et semble encore fraîche sur des rouleaux vieux de plus de 1000 ans.
Les artistes utilisaient le temps du broyage de l'encre pour méditer, recueillir leurs pensées, réchauffer les muscles du bras, du poignet et de la main et se préparer à écrire de la poésie et/ou à peindre.
Selon la quantité d'eau utilisée, l'artiste peut broyer l'encre pendant cinq minutes ou une demi-heure.
Tous les pinceaux de calligraphie japonaise sont fabriqués à la main avec des matériaux naturels. Bien que plus de vingt brosses différentes puissent être utilisées, elles peuvent être divisées en trois types de base :
- Poils bruns : faits à partir des poils de belette, de loup, de léopard, de blaireau et d'autres animaux sauvages. Ils ont des poils rigides et résistants. Ils conservent une pointe pointue pendant la peinture. Ils sont parfaits pour peindre des bambous, les feuilles d'orchidées et certains paysages.
- Poils blancs : faits à partir du poil de chèvre. Les poils blancs sont doux et souples, parfaits pour peindre des fleurs, des oiseaux, de la calligraphie et des paysages.
- Poils mixtes : une combinaison de poils bruns et blancs.
Le papier ou soie, ou papier de riz est en réalité un terme générique pour de nombreuses formes de papiers japonais faits à la main à partir de coton, de chanvre, de mûrier et de diverses autres plantes.
La soie tissée servait de surface de peinture avant même que les Chinois n'inventent le papier. Une peinture finie doit être montée mouillée (collée) sur une autre feuille de papier pour la supporter et la protéger. S'il est bien fait, ce processus lisse et aplatit le papier, enlève les rides, les plis et souvent les déchirures accidentelles.
Coups de pinceau et couleur
L'artiste doit apprendre à utiliser librement l'encre en contrôlant son coup de pinceau. Il doit être capable de capturer l'essence ou l'esprit du sujet dans sa peinture.
Pour évoquer une poésie de la nature, les peintres au pinceau créent de belles lignes et de belles formes au moyen de coups de pinceau en utilisant un certain nombre de techniques et de méthodes pour donner vie au sujet. L'écoulement et l'étalement de l'encre sur le papier de riz dans de nombreuses nuances est une idéalisation de la forme elle-même.
A cette technique de base, la couleur peut être ajoutée. Les sources de cette couleur sont des plantes et des minéraux comme le jaune rotin, le bleu indigo et le rouge et des minéraux comme le jade en poudre, la perle blanche, la malachite moulue et l'azurite.
Une partie intégrante de la composition est le sceau rouge, qui indique le nom de l'artiste. Des sceaux supplémentaires peuvent être ajoutés en tant qu'indications de la ville ou de la philosophie.
La calligraphie, ou l'art d'écrire en japonais
Au lieu d'un alphabet, les japonais utilisent des symboles ou des caractères qui étaient à l'origine des images. Il y a environ 2140 symboles de base, que l'on appelle des kanji, qui sont combinés pour former plus de dix mille mots différents.
Chaque caractère représente un mot ou une idée qui est parlé avec un son ou une syllabe. Beaucoup de dessins de kanji dans la calligraphie et la peinture sont les mêmes. Depuis quelques années, les japonais simplifient le tracé des kanji afin que plus de gens puissent apprendre à les lire.
La calligraphie japonaise a été très influencée par la pensée zen et le bouddhisme. Pour chaque dessin, le calligraphe n'a qu'une seule chance de créer son oeuvre avec le pinceau. Les traits ne peuvent pas être corrigés. Comme un manque de confiance apparaît immédiatement dans le travail, le calligraphe doit se concentrer pour avoir une exécution fluide.
Les thèmes abordés dans la peinture sumi-e
La peinture au pinceau parle simplement de la puissance de son inspiration de base. Les thèmes de la nature sont souvent le sujet, mais les peintres n'essaient pas d'imiter, de copier ou de maîtriser la nature. Ils en apprécient plutôt tous les aspects et apprécient chaque processus naturel.
Ils recherchent l'harmonie avec l'univers par la communion avec toutes choses. La beauté artistique réside le plus souvent dans ce qui est naturel et qui a de la personnalité. Si l'on regarde ces peintures à loisir avec la pensée et le cœur ouvert, leur signification intérieure deviendra lentement apparente.
Les artistes japonais apprennent à peindre en copiant les peintures des anciens maîtres, coup par coup. Ce n'est qu'après des années de copie qu'un artiste est encouragé à créer ses propres compositions.
Un artiste observe la nature de très près, mais n'essaie pas de peindre une scène sur place. L'esprit KI de la scène est reproduit de mémoire dans l'atelier de l'artiste.
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